The artist Ruth Baettig travelled for two months through Italy with a camper (Pfeifer Mobil) donated by the Pfeifer Foundation.
She produced three works:

- «Auch ich in Arkadien»: tracing Goethe’s journey to Italy, a series of repeated pictures on postcards to which a character dressed in white has been added, the recurring figure in Baettig’s performative works for many years.
- «Souvenirs»: all the postcards that are not used for the photographic work are punched with a 2cm hole and stamped with the inscription «Mi sono perso», and then sent to friends and art centers.
- «Mi sono perso»: 15 brass plates hung on the wall along the return journey from Sicily to the Swiss border. «Mi sono perso» is written on the plates, together with the date, in Roman numerals – the 15 odd days of September 2010. The selected locations are roads whose names are particularly inspiring, and worthy of experiencing.

«Auch ich in Arkadien» (Me too in Arcadia): that is the goal and the subtitle of Goethe’s Italian Journey. Nothing but the proper formulation of the tourist attitude existing still nowadays: validating a preconceived image – for Goethe the image of Greek and Roman antiquity, of classicism – filling a box already there in order to say later in one’s own inner forum, I’ve been there! But hunting for treasures of public domain, with the aim of not feeling excluded from History and Culture, often results in a collection of clichés which is a collection of postcards. The postcards imitate the pictures of the tourist who reads tourist guides, and the pictures of the tourist imitate the postcards. And, under closer scrutiny, postcards speak less of Italy and of Italians, and more of a monumental history of art and of an “italianity” that has a precise date of birth: Goethe’s eighteenth century. After the British and the French probed the picturesque in the Italian Grand Tour, the Germans afforded it the consciousness and science. In this manner, they ultimately created and crystallized all those common places characterizing Italy and Italians which still constitute the backbone of Italian tourism even today. An assemblage of foreign looks, German looks, mostly gathered in Rome: from that, paradoxically, came the renowned italianity.

Today, a journey to Italy cannot escape this cumbersome reality of tourism, now largely mass tourism. Therefore, the truest path through Italy cannot but follow Goethe’s footsteps to the tip of the peninsula, and imitate the tourist attitude, sliding at every step into the postcards and shouting at every moment me too! Thanks to this imitation, doomed to be ironic and self-ironic, we have the opportunity to gain distance, a critical stance which deconstructs the cliché from the inside.
But Goethe’s journey, that started as a tour searching for knowledge and images to bring back home, indeed became veritable travelling. His account in Italian Journey describes an increasing openness to the reality he discovered in Italy. From the preconceived images, Goethe opens himself more and more to the experience of what happens to him along his road towards the heart of the Mediterranean.
Thus a journey to Italy in Goethe’s footsteps today means to underline the difference and the distance between the attitude of tourism and the attitude of travel. If at the tourist’s horizon there is the coming back home where she can pile up the captured images, at the traveller’s horizon there is only the present experience to which she entirely commits herself. The world of the tourist is basically a world of images; the world of the traveller is a world of facts and situations: her only dogma is the experience. The traveller gives herself up, abandons herself to the experience, in the experience she gets lost.
There is a critical moment of conversion from tourist to traveller: the moment of getting lost. In this moment the cliché falls to pieces, the postcard is punched, the image is broken down to the present reality. This is why a hole-punched postcard is the «souvenir» to send to friends far away: it is not used properly as a souvenir, but as a memento for an experience impossible to capture.
«Mi sono perso» is the paradoxical motto for the traveller, «mi sono perso» is the announcement of the capitulation in the face of reality.

When we get lost, actually, we lose only the direction of a pre-established North, we lose the organisation of the planned journey, we lose the tourist guide, we lose the predicted future. The future of the traveller regains its proper interrogative form. So the present is not already projected towards a prearranged goal, but rather regains the flesh of life. It becomes certain and tangible, thereby assuming the form of a statement inscribed on enduring metal: precisely «Mi sono perso».
When we get lost, in reality, we are not lost, we are not at all desperate, but rather we rediscover the most proper sense of the “here” and “now,” and therefore the hope for the after too – an after freed from constraints, free to be explored. When we get lost, this is the opportunity to really discover what is around us at that moment, and to walk into our near future, the opportunity to have an experience. That happens in via Siracusa, but the suggestive play of names can help us: Corte degli Angeli, Sabbiadoro, Paradiso, Amore; then up through the peninsula, rediscovered by the traveller: Miracoli, S. Fortuna, Luce, Cerchi, Limbo, too, and Stella, Prosecco, Zucchero, Abbondanza and Semplicità. These are the new roads when we lose the pre-conceived road. Names like the fil rouge of a new map. A map that does not drdraw the line of our path, but that our path draws as we walk.

De l’amour. On ne peut qu’en dire l’indicibilité. On ne peut qu’en parler d’après coup, comme un récit de ce qui s’est passé, comme un fait qui nous est arrivé. Visibles sont les effets, jamais l’amour lui-même.
Il y a toujours quelque chose qui ne nous satisfait pas quand on parle de nos amours. Quelque chose qui glisse, dans l’impossibilité de saisir la forme parfaite, le cercle. Et ce sont trois cercles parfaits qui mettent en scène le spectacle inadéquat des images qui parlent d’amour. Un amour d’ailleurs si proche: à Meggen, le village à côté.
Dans un cadre de carte postale, simplement fabouleux, il n’y a que les clichés qui semblent appropriés. Mais ne sont pas justement les clichés qui, paradoxalement, respectent avec plus de fidélité l’insaisissabilité de l’amour? En renonçant à tout discours vrai sur l’amour, ils disent sincèrement son indicibilité. On retrouve un goût spécial, ainsi, à suivre les fils des récits, les suggestions des photos de mariage, peut-être attentifs plus à ce qui se cache qu’à ce qui se montre…

Das Glück ist ein Vogel. Qui vole, qui part, libre. Mais aussi qui plane et qui touche, bouleversant le lien du Schloss d’amour, et animant les murs du Schloss de fable. Toucher, tangere en latin: l’oiseau du bonheur arrive comme une tangente, qui touche la perfection quelque part, jamais là, dans un instant du passé, dans un instant du futur.

La perfection inadéquate des images est alors doublée par la ligne tangente du son. Au fil des récits s’entrelacs le fil de la musique. La musique de la voix de Léo Ferré, qui passe discrètement comme un memento mori à briser les cadres des mariages, comme la prose du monde tangente de la poésie des nos chères images. Et la musique du tango, tangente des trois cercles, avec son jeu de corps dansants. Invisible c’est le mouvement de la danse, qui part au niveau de la poitrine, là où les corps se touchent. Visibles ce sont ses effets, les essais des pieds qui explorent l’espace, se caressent, dessinent une broderie d’élégance et de surprise, ici montrée jusque dans sa beauté spectrale.

Au Schloss de Meggenhorn, par la mise en scène de Ruth Baettig, le bonheur et l’amour arrivent comme un oiseau invisible, tangente qui touche dans un seul point la courbe de la vie.

Ausser Gebrauch gekommen ist die allgemeine Bedeutung eines “Narren”, einer Person also, die einen ungewöhnlichen Berufs ausübt und nicht etwa, wie man gemeinhin denken könnte, primär zur Aufgabe hat, die Menschen zum Lachen zu bringen, sondern ganz im Gegenteil zu bewirken, dass das Lachen ihnen im Hals stecken bleibt.
Der Narr, so scheint mir, ist ein Grenzgänger, dem nicht schwindelt, wenn er die lose Brücke zwischen Wahn und Wirklichkeit betritt, der die Absurdität der Welt und des Lebens schlechthin nicht nur kennt, sondern auch dazu benutzt, Situationen um zu polen.

Anlässlich eines Gesprächs, das Ruth Baettig und ich über ihre Arbeit im April 2005 führten, tauchte unweigerlich die Frage auf “Warum Kunst schaffen ?”. Die Frage hatte in diesem Kontext eine gewisse Selbstverständlichkeit. Wie alle “Warum-Fragen” ist sie jedoch existenzialistisch und gnadenlos durch die Erwartungen, die sie einleitet. Ruth Baettigs Antwort auf die Frage lautete wie folgt: “Ich weiss eigentlich nicht genau, warum ich das Medium Kunst gewählt habe, vielleicht deshalb weil es das komplexeste und das eigentümlichste ist. Mein Bedürfnis Eindrücke, Erfahrungen, Gedanken zu materialisieren, hat sich langsam, stetig und folgerichtig entwickelt. Kunst zu schaffen ermöglicht mir der Frage nach zugehen, was es bedeutet zu leben, jetzt zu leben und nicht irgendein Leben in einem riesigen Gesellschaftshaufen zu fristen.”

Ruth Baettigs denkwürdige “Figur ohne Eigenschaft”, die namenlos, alterlos und geschlechtlich neutral in ihren jüngsten Videoarbeiten auftritt, wirkt sowohl durch ihre Bewegungen als auch durch ihren weissen Forscheranzug deplaziert im Sinn von ortsfremd. In der Videoarbeit Sunday Walk taucht die Figur erst kriechenderweise im Wald auf. Bei den weiteren Einstellungen bekommen ihre Bewegungen zunehmend einen sportlichen Charakter, und erwecken durch die Bildbeschleunigung zusätzlich den Eindruck, der Weg würde von der Figur zwanghaft “absolviert”. Als sie den Wald verlässt und sich nunmehr in einer Berglandschaft befindet, bleibt ihre Handlungsabsicht weiterhin unklar. Inmitten von Steinruinen gibt sie Winkzeichen und hält schliesslich bei einem Abhang inne, um das Panorama zu betrachten. Auch wenn die Ambivalenz der Handlungsabsicht die Figur fremd erscheinen lässt, wirken mit der Zeit auch die Landschaft und die zufällig anwesenden Wanderer absurd. Als die Figur schliesslich an einer Gruppe junger Männer vorbei läuft, um sich auf eine nahe Holzbank zu legen und die Männer auf eine schon fast choreographisch Art und Weise anfangen, sich auf einem Felsen zu photographieren, lässt sich nur noch schwerlich sagen, wo die eigentliche Performance statt findet und wo “einfach” gehandelt wird.

Narrenpossen und zeitgenössiche Kunst haben mit Sicherheit eine gemeinsame Charakteristik. Sie vermögen beim Betrachter kurzfristig ein Gefühl auszulösen, das befremdet. Er wird in einen tranceartigen Zustand versetzt, wo er zwischen Absurditätsgefühl und Ärger hin und her gerissen und erst durch ein Aha-Erlebnis oder ein Was-soll-das?-Ausruf befreit wird.

Einige Bewohner von Reiden werden sich wohl befremdet gefühlt haben, als sie ihr Radio, den sie Ruth Baettig für eine Ausstellung ausgeliehen hatten, inmitten von dutzend anderer Radios wieder gefunden haben, schlicht und ergreifend auf einem Sockel stehend und die selbe Melodie summend wie die restlichen Funkempfänger. Der Installation Transistor, die Ruth Baettig 1998 in Reiden ausstellte, ging ein künstlerisch-demographisches Experiment voraus, für welches die Künstlerin insgesamt 60 Haushalte aufsuchte und die Leute bat, ihren Radio auszuleihen. Als sie die geborgten Geräte anschaltete, stellte sich heraus, dass alle denselben Sender empfingen. Ruth Baettig hatte dieses Resultat nicht erwartet, sondern eher damit gerechnet, dass dank der unterschiedlichen “Sendergeschmäcker” eine erfrischende Kakophonie entstehen würde. Da aber alle Apparate das gleiche wiedergaben, entstand ein fast schon bedrohliches Bild einer lokalen Gleichschaltung, das die eigentlich vertrauten Geräte auf einmal fremd und verräterisch erscheinen liess.

Es ist eine alte Tradition, dass Künstler gerne bei Feierlichkeiten eingesetzt werden. Man wünscht sich etwas Besonderes, das über die herkömmliche Einweihungsrede und den üppigen Blumenschmuck hinausgeht, möchte jedoch auch, dass die Intervention im Sinne der Veranstaltung bleibt, ihre gute Absicht unterstreicht und den vorgesehenen Konsens stärkt.

Als die Altdorfer Politiker bei Richard Kissling vor rund 110 Jahren eine Tellskulptur bestellten, schrieben sie ihm vor, Tell als freiheitsstolzen, kühnen, entschlossenen Mann in der landesüblichen Bauerntracht darzustellen.

Das Denkmal des Helden, der mit geschulterter Armbrust beschützend den Arm um die Schulter seines Sohnes legt, sollte auch dazu dienen, in einer Zeit der allgemeinen Orientierungslosigkeit, die bedingt war durch den aufkeimenden Nationalbewusstsein in Europa, ein identitätstiftendes Zeichen zu setzen.
Hundert Jahre später wiederholte sich das Ganze gewissermassen noch einmal, als die Altdorfer Politiker einige Künstler für das 100-jährige Jubiläum der Tell-Skulptur anfragten. Im Rahmen der Ausstellung “Memento” wurde auch Ruth Baettig eingeladen, einen künstlerischen Beitrag zu diesem besonderen Anlass zu leisten. Die einzige Auflage nebst den oben genannten impliziten Wünschen war wohl, dass die Arbeit einen direkten Bezug zum befeierten Denkmal hat. Ruth Baettig beschloss das Denkmal mit der prozentual grössten ?Bevölkerungsgruppe” im Kanton Uri in Zusammenhang zu bringen: Den Kühen. Mit Wesen also, die ganz im Gegensatz zu Denkmälern, den Epochenwechseln unbekümmert, ja nahezu gleichgültig standhalten.

Leider begeistern sich Kühe nicht von sich aus für Denkmäler, es sei denn man macht sie ihnen schmackhaft. Um also das Interesse der Kühe für die Tellskulptur zu wecken, fertigte Ruth Baettig an einer dem Kuhrevier angrenzenden Glaswand kleine Tellsilhouetten aus Tierfutter an. Und schon trafen die Kühe ein und leckten eifrig die kleinen Tellsilhouetten weg.

Die Videoarbeit Mémoires Rustiques, die das Kuhlecken auf einem mit Kuhnamen besetzten, tapetenähnlichen Hintergrund präsentiert, wirkt ausgelassen und frech. Hinter der Aktion der Künstlerin verbirgt sich aber eine ernste Auseinandersetzung mit der Bedeutung des Nationalhelden. Wilhelm Tell stand, wie sein Denkmal suggeriert, lange Zeit für Unabhängigkeit und Widerstandskraft. Diese Bedeutung verlor sich mit der Zeit, Tell steht heute vielmehr für Qualität und Tradition. Auch Kühe gehören zu den beliebten Klischees der Schweiz und auch sie haben mit der Zeit eine andere Bedeutung bekommen, da man sie nicht mehr zu den wichtigsten Wirtschaftsfaktoren zählen kann. Ruth Baettigs Arbeit Mémoires Rustiques veranschaulicht diesen Bedeutungswandel und setzt der weltberühmten “Imagerie” der Schweiz ein Denkmal kompromisslos: intelligent und humorvoll.

Marion Ronca, Genf, 2005